Algo de estudio histórico: Pintura gótica en Italia

"La pintura es poesía muda; la poesía pintura ciega." Leonardo Da Vinci (1452-1519) Pintor, escultor e inventor italiano. 

Pintura Gótica en Italia (Siglos XIII-XIV): fundamento de la pintura moderna

 Resumen: En el presente ensayo se realiza un análisis de las características y principales representantes de la pintura gótica que se desarrolló en Italia durante los siglos XIII y XIV. Inicialmente se realiza una breve síntesis del contexto histórico general para los siglos estudiados y particularmente del contexto histórico en Italia, indicándose asimismo la relación de la pintura con la realidad histórica existente. Como el estilo analizado en este ensayo es el estilo gótico[i] en la pintura[ii] se incluye un apartado que da una visión general histórica y de las  características de este estilo y particularmente las cualidades de la pintura gótica que se desarrolló en Italia entre los Siglos XIII y XIV que difirió del gótico del resto de Europa. Luego se analizan en orden cronológico los principales representantes del gótico italiano y algunas de sus obras paradigmáticas contextualizándolas históricamente y detallando las características expresadas en las mismas, la temática que reflejan y el tipo de pintura que son en cuánto al tipo de material y técnica utilizados para crearla. Finalmente se ofrece una breve conclusión de acuerdo a lo analizado de las características de la pintura gótica italiana entre los siglos XIII y XIV y su importancia e influencia para la pintura posterior, dejando claro que se ofrece en este análisis una visión restringida al carácter académico del mismo, dada la complejidad de la historia del arte y de la invención artística y su interpretación, y particularmente en lo que se refiere al arte pictórico gótico que es el tema tratado en este ensayo.

La Europa de los siglos XIII – XIV

Los siglos XIII y XIV, como la mayor parte de la Edad Media, estuvieron marcados por la influencia de la Iglesia Católica en la sociedad –el siglo XIII podría llamarse el siglo de las cruzadas pues se dieron la mitad de ellas (las últimas cuatro (4))-  y, en cierto modo y de manera temporal, se dio fin a la larga disputa entre el poder espiritual y el poder temporal, entre la primacía de lo mundano o lo espiritual con el triunfo de esto último, ya que con el Papa Inocencio III (Papa entre los años 1198-1216) se estableció la supremacía del papado sobre el estamento de gobierno laico (emperadores y reyes), que sin embargo no se dio en la práctica tan estrictamente según lo estableció Inocencio III y sus sucesores, pero con el desmoronamiento territorial del Sacro Imperio Romano Germánico  y el fin de la dinastía de los Hohenstaufen – hechos en que el estamento clerical tuvo mucho que ver- y el inicio de la dinastía Habsburgo – al llegar al trono Rodolfo I en 1279- se dio la sujeción del emperador del Sacro Imperio a la Santa Sede, pero Felipe IV, El Hermoso, monarca francés, establecerá para el siglo XIV sus reglas para la Iglesia con el papado de Aviñón. Pero, en definitiva, la Iglesia tuvo gran influencia en la sociedad medieval, y el arte pictórico tuvo en la Iglesia un gran aliado y protector -pese a las controversias de iconoclastia y a la poca valoración del arte manual y el arte pictórico y el pintor en particular-, ya que, como se verá, muchas de las obras pictóricas que se analizan en este ensayo forman o formaron parte de algún elemento de una Iglesia, pues entre otras cosas, como menciona Moshe Barash “Al adornar la iglesia con materiales radiantes y fina destreza, el artesano ofrece al espectador ‘razón para honrar al Creador en sus criaturas y proclamarle maravilloso en Sus obras’”(Barash, 2001:75) y además era común que se hicieran donaciones a las iglesias para realizar dichas obras de arte con fines de, por ejemplo, ganar indulgencias y/o luego ser enterrado el donador en dicha iglesia u obtener privilegios de misas por el donador después de su muerte dada la creencia arraigada en el purgatorio. Además las obras pictóricas de las iglesias se mantuvieron a lo largo del tiempo, lo que no sucedió con otro tipo de obras como por ejemplo las de tipo político en las instalaciones gubernamentales pues al cambiar los estamentos de poder las obras eran desechadas mayormente por lo que difícilmente se tienen ejemplos de este tipo y por tanto el tema religioso es el predominante en el arte pictórico aunque no el único, ya que en general en el medioevo existían “vínculos de la pintura con la vida social”(Francastel,1988:176).

La Europa de la Edad Media era un tipo de sociedad feudal con relaciones de vasallaje.  Para el último trienio del siglo XIII con el crecimiento de la importancia de las ciudades y los inicios del desarrollo de la economía monetaria, se efectúa un cambio de mentalidad en la sociedad occidental que influyó en todos los ámbitos del quehacer humano y entre ellos, en el arte pictórico, y que abrió el paso hacia una nueva era que eclosionó en el siglo XV, la era moderna.

• Italia en los siglos XIII y XIV (Duecento y Trecento)

La Italia de la Baja Edad Media se vio signada por los altercados entre el papado y los emperadores germánicos en la querella por la definición de la supremacía del poder espiritual o el poder temporal, y particularmente por la búsqueda de dominio deseado en los feudos de la Iglesia por parte de los emperadores; esta situación de altercados papado-emperadores afectó el desarrollo las ciudades autónomas o comuni que definieron la organización de la geografía italiana para la época. Se dieron en los comuni las divisiones de las facciones a favor del papa (llamados güelfos) o las facciones a favor del emperador (llamados gibelinos). Un famoso gibelino que participó en estas controversias del siglo XIII fue el poeta Dante Alighieri, autor de La Divina Comedia -acérrimo enemigo del papa a la sazón, Bonifacio VIII, a quien condena a las llamas de infierno en La Divina Comedia- . Dante posiblemente conoció al máximo representante de la pintura gótica italiana y quizá el pintor más famoso del medievo, Giotto di Bondone, a quien referencia en el Canto Undécimo del Purgatorio de La Divina Comedia[1].  Los comuni jugaron un papel importante para el desarrollo de las artes, y aunque la pintura era considerada un oficio menor se le fomentaba e incluso a pintores de destacada trayectoria como Giotto se les otorgaba especial consideración; a Giotto se le honró con el título de arquitecto de la ciudad de Florencia -dada la inexistencia y poca valía que podía tener el de pintor de la ciudad - pese a que sus dotes eran como pintor[iii]. Las ciudades o comuni de Florencia y Siena constituyeron las escuelas máximas del gótico medieval italiano como se verá en el apartado Pintura Gótica en Italia. Para finales del Trecento en Italia, en la búsqueda de lograr la paz y frenar los abusos de poder en los comuni, éstos darán paso a las Signorie, donde se establecerá un jefe (capo) o signore poderoso y valeroso para los diversos territorios.

La pintura gótica

• El estilo gótico
• Sobre el análisis del arte pictórico gótico

Definir el estilo pictórico gótico y, más aún, delimitar sus representantes constituye una tarea difícil de ejecutar dada la complejidad del mundo artístico y toda vez que el gótico “describes a whole phase of civilization in which a great variety of stylistics currents can be traced, each following its own course, though all have a certain common trends and likewise, on the spiritual plane, a certain kinship”[iv](Dupont,1954:54). Por ello -como se verá más adelante en este análisis al analizar muestras del arte pictórico gótico italiano-, establecer la pertenencia al estilo gótico de muchos de sus representantes y obras puede ser difícil de aseverar pues se detectan elementos de distintos estilos, inclusive definir si la obra es de un pintor en particular –dado que para la época las obras eran mayormente no firmadas ya que el concepto de artista no se aplicaba y al pasar del tiempo, muchas veces no se conocía explícitamente el autor de una obra- genera problemas pues los maestros pintores van evolucionando y cambian las técnicas y mecanismos utilizados y también se presentan similitudes entre distintos artistas dificultándose la pertenencia de una obra a uno u otro artista. Escapa del objetivo de este ensayo establecer la pertenencia o no de una obra a un autor u otro, por lo que considerarán en este trabajo las obras atribuidas a los pintores estudiados que con mayor fidelidad son establecidas en la bibliografía consultada.

Como todo en el arte, que es vivo, es notable la vastedad de características que se presentan en la pintura gótica y lo ilimitado del análisis que se puede hacer de las distintas obras, por lo se quiere dejar claro que, dada la restricción humana y de tiempo, en esta investigación académica se realizará un análisis de las obras góticas y sus autores enmarcado en las características principales del gótico italiano delimitadas en este  ensayo en el apartado Pintura gótica en Italia, condicionadas dichas características por lo establecido en la historiografía pero sólo con la finalidad de establecer un marco teórico de este estudio académico sin querer ser de “Esos historiadores ingenuos que llaman objetividad al hecho de medir las opiniones y actos del pasado con los criterios de la mayoría de los hombres actuales: en esto encuentran el canon de toda verdad, y su trabajo consiste en acomodar el pasado a la trivialidad del presente”(Worringer,1967:9-10)[v].

Es de notar, que al realizar esta investigación se hizo patente la necesidad de un dominio -al menos básico- de las teorías del arte y los términos asociados al arte, y particularmente del arte pictórico, y en el proceso de lograr un conocimiento aceptable de la terminología artística que permitiese seguir un enfoque definido en la investigación, se determinó la vasta complejidad del quehacer artístico y su interpretación constatándose que a elementos artísticos como, en este caso, las obras pictóricas “no podemos conocer y juzgar sino después de haberlos descifrado, es decir, confrontado tanto con sus fuentes perceptivas de origen –a menudo muy difíciles de reconstituir- como con nuestros propios modos de aprehensión del mundo exterior y, simultáneamente, de la pintura misma. Sólo podemos  conocer y juzgar acerca de un cuadro, así como también acerca de un texto, si poseemos un minimum de conocimientos históricos y técnicos”.(Francastel,1988:13) Y en este sentido se expresa que para este trabajo se trató de obtener este minimun en el ámbito del arte pictórico y realmente, haciendo justicia al arte, se expresa que este minimum alcanzado posiblemente corresponda a “el minimum” requerido para lograr culminar esta investigación de manera satisfactoria con el fin de ofrecer un pequeño análisis desde el punto de vista histórico de la pintura gótica que se dio en la Italia de los siglos XIII y XIV.

• Sobre el surgimiento y expansión del  estilo gótico

El gótico es un estilo artístico que se inicia en el siglo XII y que se expandió por toda Europa en proporciones y momentos diferentes y que perduró, en algunas regiones, hasta el siglo XVI. El gótico se inició con la arquitectura en el norte de Francia en el Siglo XII, en una Europa cortesana, y significó una gran expansión para Francia, así como lo fue el desarrollo del románico para Alemania. El desarrollo del gótico se dio principalmente en la construcción de grandes catedrales, como reflejo de la grandeza de las ciudades. Las características que diferenciaron este nuevo estilo gótico del precedente románico fue la nueva estructura de techo llamada bóveda de crucería, y los arcos ojivales[vi] para ayudar con el soporte de la construcción, que también tuvieron un carácter decorativo y que permitieron aligerar los muros de las construcciones dando a la iglesia mayor verticalidad y pudiéndose utilizar elementos como los vitrales que permitieron mayor entrada de luz, dando cualidad de mayor acercamiento entre el feligrés y Dios, ya que había cambiado la mentalidad del Dios inalcanzable, todopoderoso y castigador, y así el Creador se hacia  más accesible, incluso, desde el lugar de encuentro principal, esto es, la Iglesia.

      Si bien la arquitectura gótica se desarrolló en el siglo XII, el caso de la pintura es más tardío, se desarrolla un siglo después y tiene sus principales representantes en la Italia de los comuni con genios como Cimabue y Giotto que generaron un arte independiente, enfocado en lo natural y deslindado de cualquier paradigma establecido, dando a la pintura una vida propia, preocupándose por los efectos de perspectiva[vii] en la búsqueda de otorgarle mayor realismo a la obra.

• Pintura gótica en Italia

Como todo el arte gótico en Italia, tanto en la plástica o escultura y en la arquitectura, en la pintura gótica italiana se dio un fenómeno diverso del resto de Europa, ya que “En la Edad Media – como ha dicho con gran acierto el doctor J.H. Plumb- Italia nunca perteneció del todo a Europa. El feudalismo no podía florecer en una civilización con una base esencialmente urbana”(Evans,1988:432); si los vitrales fueron el elemento por excelencia para plasmar el estilo gótico en pintura en las grandes catedrales góticas de las principales ciudades europeas, en Italia como estas catedrales escasamente se dieron[viii] , no tuvieron gran acogida esos vitrales góticos que fueron representantes del tipo de pintura que “acogiendo la luz natural y utilizándola para sus propios fines que no son los de la naturaleza, le da una cualidad inédita y particular, la incorpora a un espacio plano, ya por el artificio de la transparencia, ya por los del realce y fondos de oro, de modo que se puede decir que combina y construye su luz original”(Focillon,1988:217).   Las pinturas murales, los frescos, los paneles y pinturas al temple sobre tabla fueron las más características en la Italia gótica.

Un resumen global de las características y el acontecer pictórico gótico en la Italia de los siglos XIII y XIV lo da Henri Focillón en su obra Arte de Occidente. La Edad Media románica y gótica, donde expresa los fundamentos del desarrollo de la pintura gótica en Italia y sus diferencias entre los distintos comuni, explicando, teniendo a Giotto como referencia, que “…la pintura monumental en Italia antes de él no era un desarrollo único y rectilíneo, sino un sistema complejo en el que se pueden distinguir tres corrientes: el arte bizantino de Toscana, el arte pontificio romano y un arte popular de origen antiguo y de expresión muy diversa. En Florencia Cimabue, y en Siena Duccio di Buninsegna, representan una tradición fuerte y viva que no es específicamente italiana, pero que halla en ellos la forma toscana del gran arte mediterráneo salido del renacimiento macedónico. De sus orígenes bizantinos, este arte tiene la grandeza sencilla, la autoridad de esa amplia escritura mural necesaria a los pintores como a los mosaístas, la hábil práctica de esas ondulaciones lineales de carácter ornamental que flexionan en curvas elegantes los cuerpos de los ángeles junto a la sólida majestad de la Vírgen en gloria. En un espacio casi plano con una mímica sobria, sugiere sentimientos intensos. La gama[ix] es fina, viva y límpida, realzada en los retablos[x] y en los íconos por el  oro de los fondos y por el oro de las aureolas y, en los sieneses, por el oro de los galones que corren en elegantes arabescos por las orlas de los vestidos … Cavallini…dejó en las viejas iglesias de Trastevere una amplia serie de obras dominadas por la imagen augusta de Cristo: ya no es el monje ascético de  Siria, , ya no es el Pantocrátor bizantino sino, según una acertada expresión, el Júpiter[xi] cristiano… La plenitud de volúmenes, el estilo de pliegues anuncian que el pintor ha visto, si no copiado, monumentos de la escultura romana.”(Focillon,1988:223-224)[negritas añadidas].

En la cita previa se colocan en negritas algunas de las características mencionadas por Focillón propias de la pintura gótica italiana por decirlo así pregiottica o pregiottesca, esto es previa a Giotto:

-          Escritura mural y ondulaciones lineales de carácter ornamental: la pintura gótica es, por lo general, de carácter lineal donde se destaca el contenido del dibujo y sus contornos más que los colores. Además, muchas de las obras pictóricas en los frescos góticos se acompañaban con un texto que comentaba el contenido de la obra, así sucede, por ejemplo en los frescos de Giotto en la capilla en honor a San Francisco en Asís.

-          Ondulaciones lineales de carácter ornamental y estilo de pliegues: las ondulaciones y los pliegues para dar sensación de curvatura son características del gótico, donde se buscaba el naturalismo en la representación, y que comenzando posiblemente con Cimabue, fue evolucionando para ir perfeccionándose la técnica como lo logra Giotto, eliminado la rigidez en la representación de las personas, ya que a Giotto “el problema de pintar a un hombre sobre un muro de otra manera que como una flor ornamental o como un poderoso boceto, le pertenece por entero”(Focillon,1988:226)

-          Elegantes arabescos: los adornos arabescos se encuentran presentes recurrentemente en las obras pictóricas góticas.

-          Sentimientos intensos: la búsqueda del naturalismo en el arte pictórico gótico deriva en el plasmado de sentimientos a través de la gestualidad en las obras.

-          Plenitud de volúmenes: el manejo de volúmenes se presenta en la pintura gótica con el fin de dar mayor vivacidad y realismo a la obra, aunque muchas veces se obtenían resultados poco satisfactorios según la técnica utilizada.

Estas características se dan en mayor o menor proporción en las obras de los distintos pintores analizados,  pues el gótico va evolucionando.

Giotto le imprime su genialidad perfeccionando la búsqueda de naturalidad y expresividad en las obras, buscando obtener una organización precisa del espacio y dando un carácter  monumental a las obras.

Adicionalmente a las características mencionadas, se añade la presencia, dentro de los elementos arquitectónicos o escultóricos plasmados en las pinturas góticas, de las características góticas de dichas artes, como por ejemplo, el arco ojival, los pináculos, los arcos ovalados de forma atrebolada, entre otros.

Teniendo en consideración las características mencionadas arriba, se procede a dar un breve recorrido por los principales autores y a analizar algunas de sus obras emblemáticas con el fin de mostrar la evolución obtenida en el arte gótico entre los siglos XIII y XIV en Italia.

Máximos representantes del gótico italiano

            Es de destacar, que dado que el oficio de artista y particularmente el de pintor, era de poco valor en el medioevo,  por lo que los datos biográficos de los pintores analizados son aproximaciones en cuanto a las fechas y en referencia a las obras, las que se tomaron para ser analizadas, se determinan por unanimidad pertenecientes al pintor correspondiente según la bibliografía consultada.

• Cimabue: precursor de la pintura gótica italiana

Cimabue es el seudónimo dado al pintor florentino Cenni di Peppi, quien vivió entre los siglos XII y XIII (Aprox. 1240-1302).  El nombre Cimabue “è rimasto a lungo un personaggio letterario, un artista dai contorni incerti, a cui da sempre si assegnavano opere di origine molto diversa, una sorta di nome colettivo che riuniva le testimonianze più significative della ‘maniera greca che si sapeva aver dominato la pittura italiana del Duecento”(Dell’Arti,1988:10)[xii]. La “maniera greca” o arte bizantino dominó el Duecento italiano y Cimabue fue un maestro de este estilo, que al iniciar un proceso de naturalización de la pintura, pues según comentario de Giorgio Vasari, el maestro Cimabue, que lo fue de Giotto, era un fiel amante de la naturaleza y con su amor por lo natural contribuyó al desarrollo del estilo pictórico gótico italiano al darle más plasticidad a las figuras mediante la búsqueda de las ondulaciones y el uso del claroscuro[xiii].

Algunas de las obras de Cimabue son:

-          Crucifijo. Pintura sobre tabla. En la Iglesia de Santa Croce en Florencia (aprox. 1273), que en 1966 fue dañado por un aluvión acaecido en la ciudad de Florencia[xiv].

-          Crucifijo. Pintura sobre tabla. En la Iglesia de Santa Domingo en Arezzo (aprox. 1265-1268).

-          Maestà[xv]  (Aprox. 1270). Pintura al temple sobre madera. Se localiza hoy día en el museo de Louvre en París.

-          Maestà de la iglesia de Santa Trinità de Florencia (Aprox. 1285-1286). Pintura al temple sobre madera. Se localiza hoy día en la Galiería degli Uffizi en Florencia.

-          Frescos de la Basílica superior de Asís (Aprox. 1277-1280).

Análisis de pinturas de Cimabue

Imagen	Descripción y análisis
	Crucifijo de Santa Croce en Florencia. La cualidad que salta a la vista en este obra es la del cuerpo en forma de S u ondulado del Cristo crucificado con la finalidad de otorgarle volumen a la obra dando tridimensionalidad y una perspectiva muy bien lograda. De hecho, al ver esta pintura en papel queda la incógnita de si es realmente una pintura o una escultura, dado el buen efecto de profundidad que se le otorga con la posición ondulada o arqueada del cuerpo de Cristo. Características bizantinas se detectan en la obra con el uso del dorado en los contornos. El claroscuro contribuye al efecto de profundidad de la obra, al sobresalir el Cristo sobre el crucifijo coloreado de oscuro en el fondo.
	Maestà de la iglesia de Santa Trinità de Florencia Esta obra representa a la Virgen María sentada en el trono cargando en sus brazos al niño Jesús, imagen conocida como Maestà y que muchos pintores plasmaron. En la obra, que constituyó un retablo, Cimabue coloca debajo a los profetas que profetizaron la venida del trono. Esta obra de Cimabue, aunque mantiene rigidez en la posición de la Virgen y el Niño, hay un mínimo atisbo de expresividad en la virgen, que se presenta rígida y escondida dentro del ropaje. También aquí se presenta el manejo del claroscuro como medio para otorgar tridimensionalidad a la obra sobre todo por la claridad en la incrustación de piedras luminosas en el sillón del trono. Se nota simetría en la obra que le otorga solemnidad, y donde sólo María rompe con la simetría para otorgarle preeminencia al Niño Jesús.

• Pietro Cavallini

El pintor y mosaísta Pietro Cavallini, fue descubierto al iniciarse el siglo XX, pues Giorgio Vasari quien hace un estudio de los pintores medievales no lo nombra en su obra. Se sabe que fue romano, que nació hacia 1250 y murió en la primera mitad del siglo XIV. Su verdadero nombre es Pietro di Cerroni y algunos críticos piensan que Cavallini tuvo influencias en el arte de Giotto, mientras que otros piensan que el paso de Giotto por Roma influyó en el arte de Cavallini. Una particularidad de Cavallini es el interés en el color a diferencia de otros artistas góticos.

Algunas de las obras de Cavallini son:

-          Frescos y mosaícos de la Iglesia de Santa Cecilia en Trastevere, Roma.  (Aprox. 1291).  (Autenticada esta obra como perteneciente a  Cavallini dado comentarios de Ghiberti[xvi])

-          Decoración de la iglesia de San Domenico Maggiore y Santa María Donnaregina.  (Aprox. 1308-1317).

Análisis de pinturas de Pietro Cavallini

Imagen

Descripción y análisis

Detalle

El juicio final (freco en Santa María Trastevere, Roma) La obra constituye un fresco y se encuentra bastante deteriorado, no obstante, refleja el amplio uso del color por parte de Cavallini para otorgarle luminosidad a la obra. La obra muestra a Jesús en el trono celestial envuelto en una mandorla[xvii] dándole mayor expresión monumental a la obra. El rostro de Cristo como se observa en el detalle tiene claras características bizantinas. Se detecta un ropaje voluminoso tanto en Cristo como en los ángeles. Se nota una expresión penitente o subordinada en el rostro de los ángeles.

• Giotto

A lo largo de este ensayo se ha hecho referencia a varios acontecimientos relacionados con Giotto. Giotto di Bondone es el máximo representante de la pintura italiana, y pocas son las cosas que se saben a ciencia cierta respecto a su cronología de vida, pues desafortunadamente “i pittori, nel Medioevo, erano ritenuti dei semplici artigiani, e  non si serbava memoria della loro esitenza”(Dell´Arti,1988:25)[xviii]. Y pese a su gran fama, de Giotto poco se conoce con seguridad. No obstante, se establece el año 1267 como el de su nacimiento en la localidad Colle di Vespignano cerca de Florencia y muere en enero de 1337 en Florencia. Realizó trabajos pictóricos en Roma, en Padova, en Asís,en Milano, en Napoli, entre otros.  Como se mencionó en apartados anteriores, Giotto fue nombrado arquitecto de la ciudad de Florencia en 1334. Según Vasari, Cimabue fue maestro de Giotto, ya la influencia del maestro florentino sobre el genio Giotto se deja ver, aunque sin duda, el discípulo superó al maestro. La genialidad de Giotto le permite sin querer abusar de la expresión, adelantarse a su tiempo. Su planteamiento de la vida de San Francisco en los frescos de la Basílica de Asís, pues mediante sus obras pictóricas “hace vivir en la imaginación de las multitudes una representación del papel de San Francisco conforme a sus intenciones…. El inmenso éxito de Asís… puso ante los ojos de hombre venidos de todas partes del mundo un ciclo de imágenes en las que se ha encarnado una fisonomía precisa del santo y de su acción”(Francastel,1988:171). Y es que una característica de la obra de Giotto es ese realismo que le imprime a su creación, que le da vida propia, enfocándose en la naturaleza y la historia.

Algunas de las obras de Giotto son:

-          Frescos de la Capilla Superior de Asís.  Referentes a la vida de San Francisco y la historia del antiguo y nuevo testamento (Aprox. 1290). 

-          Frescos de la Capilla inferior de Asís.  Referentes a la vida de Isaac (Aprox. 1290). 

-          Frescos de la Capilla Scrovegni en Padova.  (Aprox. 1304-1306). 

-          Madonna con il Bambino.  Pintura al temple sobre madera. Localizada en pinacoteca de Bologna (Aprox. 1330).

-          Madonna en Maestá con santos y ángeles.  Pintura al temple sobre madera. Localizada en pinacoteca de Bologna (Aprox. 1306-1310).

-          Crucifijo. Pintura sobre tabla. En la Iglesia de Santa María Novella en Florencia (aprox. 1290).

Análisis de pinturas de Giotto

Imagen	Descripción y análisis
	Crucifijo de Santa María Novella Este crucifijo presenta perspectiva bien definida como el de Cimabue, pero más aún Giotto le da más realismo y vivacidad al mismo al dibujar la mano en perspectiva, donde Cimabue la dibujó plana. Y el manejo de los colores le da también mayor vivacidad a la pintura con el sangrado reflejado en las heridas de las manos y en el costado y unido al rostro cabizbajo de Jesús denota el sufrimiento en la pintura, elemento ausente en el crucifijo de Cimabue.
	Madonna en majestad con santos y ángeles La obra constituye una pintura al temple sobre madera y es una de las representaciones hechas por Giotto de la Maestà. En esta versión de Giotto, a diferencia de la de Cimabue, la virgen esta menos rígida y se nota más humana, inclusive por su vestimenta que está más abierta, dejando ver que es una mujer de carme y huesos. Se nota la solemnidad del trono de la Virgen y el Niño, en donde ninguno de los ángeles esta por encima del Niño. También los ángeles tienen un carácter más humano en contraste con los ángeles de la Maestà de Cimabue. No obstante se nota la sumisión en los ángeles inferiores que se encuentran de rodillas penitentes. En el trono se notan caracteres del gótico arquitectónico con el portal ovalado, los pináculos en las puntas y los arcos atrebolados en los laterales. Por otro lado las flores azules o acianos y los y los lirios le imprimen mayor solemnidad a la escena. El trono de Giotto está diseñado siguiendo los patrones de los materiales usados en la arquitectura gótica de la época, estilizado con piedras preciosas. El rostro de la virgen muestra características bizantinas.
	Fresco de la capilla de Scrovegni: compadecimiento sobre el Cristo muerto La composición de la obra es equilibrada en un espacio bien organizado. El manejo de la luminosidad y el claroscuro le imprime efecto tridimensional a la obra. El fondo dorado no es utilizado, dándole un aspecto más real al paisaje, compuesto por elementos naturales como los árboles, las rocas y el cielo azul. Le expresividad se nota al máximo en esta obra donde la madre de Dios sufre y llora por su pérdida, y también se nota la congoja en todos los presentes. En una obra como esta ya se nota el total abandono del bizantino.

• Simone Martini

Simone Martini  (aprox.1280-1344)  fue un pintor sienés cuya obra se caracteriza por la búsqueda del ideal de belleza y una gran estilización[xix]. Su primera obra conocida es una Majestad de la Virgen pintada para el Palacio Público de su ciudad natal, Siena, la cual realizó aproximandamente para el año 1315.

Pinturas como Giudoricco da Fogliano, son dudosas como pertenecientes a Martini según algunos autores consultados[xx].

      Destacan en la obra de Martini características de la sociedad de su época, así, incluso las facciones de los personajes se amoldan a las características de la población italiana de la época. También los temas tratados son más, por decirlo así, mundanos.

Análisis de pinturas de Simone Martini

Imagen

Descripción y análisis

San Martín es armado caballero en la iglesia inferior de Asís (Aprox. 1317-1319) La obra constituye un fresco y está ubicada en un lugar religioso, pero el tema tratado es de tipo cortesano pues se refiere a la armadura de San Martín como caballero. Se nota expresividad en los personajes. Los cantantes abstraídos por la música incluso parecen dirigir su vista hacia ella. San Martín en actitud de oración agradece el hecho de ser armado. El manejo tridimensional se da con el manejo luz y perspectiva, colocando las columnas con cierta inclinación dentro del cuadro y con un fondo oscuro, que permite acercar las imágenes del frente. El cuadro refleja paz y tranquilidad debido al aspecto austero de la escena. Los rostros de los personajes son diversos. El colorido es opaco dándole a la obra mayor sensación de serenidad.

Otros representantes destacados de la pintura gótica italiana fueron en el pregiottesco el sienés Duccio di Buoninsegna, contemporáneo de Cimabue y los postgiottescos sieneses hermanos Lorenzetti, contemporáneos de Simone Martini. Además, después de Giotto muchos de sus discípulos se encargaron de continuar la difusión del estilo gótico, aunque muchos se alejaron del espíritu de su maestro.

Conclusiones

El desarrollo de la pintura gótica en Italia fue un proceso que se alargó entre los siglos XIII y XIV y que tuvo características variadas, aunque relacionadas, entre los distintos artistas en las distintas localidades y espacios de tiempo. Sin duda, Giotto di Bondone representa un ícono de la pintura italiana siendo su obra vastísima y consagrada tanto como él mismo ya que “Giotto define la pintura monumental no sólo para su siglo, sino para los tiempos futuros”(Focillón,1988:222). Y es que definitivamente el gótico constituyó una gran revolución artística en el medioevo europeo, y en el caso de arte pictórico en Italia sembró las bases de la pintura moderna. Las raíces del gótico italiano son difíciles de determinar y muchas veces se le ha querido hacer ver como un arte sin influencias previas, pero en definitiva el arte pictórico en Italia se vio influenciado en los distintos comuni por diferentes corrientes y con el aporte de la voluntad creadora de genios como Giotto, Cimabue, Cavallini y Martini, entre otros, innovaron perfeccionando el estilo para cada vez lograr hacer una pintura más natural y expresiva.

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WORRINGER, Wilhem. La esencia del estilo gótico. Buenos Aires. Alianza Ediciones Nueva Visión. 1967, pp. 148.

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[1] Dante menciona a Giotto y al maestro Cimabue, los máximos exponentes del gótico italiano al escribir en referencia a lo efímero de la fama y vanagloria humanas: “Creía Cimabue ser árbitro en el campo de la pintura, y ahora es Giotto al que se aclama, de modo que ha quedado obscurecida la fama de aquél... ”(Alighieri,1986:176)

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[i] Gótico es un término acuñado en el siglo XVI por el escritor Giorgio Vasari haciendo referencia al estilo de los bárbaros alemanes o godos – de allí la palabra gótico- invasores europeos del siglo V, como sinónimo de algo feo y no deseado y que en el estilo artístico renacentista se buscaba evitar.  Luego la palabra perdió la mencionada connotación a los godos, y se asoció con el estilo que se desarrolló en Europa previo al Renacimiento y que no es originario de Alemania sino del norte francés.

[ii] La pintura es el “arte de aplicar los pigmentos o colores sobre una superficie”(Fatás,2005:259).  En el arte pictórico se manejan los pigmentos y los aglutinantes que son los que definirán la modalidad de la pintura.  Los aglutinantes que son las “sustancias líquidas que solidifican pasado algún tiempo y en las que se diluyen los pigmentos” (Fatás,2005:14) y los pigmentos son los materiales en polvo que no se disuelven en los aglutinantes sino que permanecen en forma dispersa en ellos. En la pintura al óleo se utilizan aceites grasos como aglutinantes, mientras que en la pintura al temple se utilizan “mezclas íntimas de componentes oleaginosos con agua”.  La mayoría de las obras pictóricas góticas italianas analizadas en este ensayo, cuando no son frescos, corresponde a pinturas al temple sobre superficies como la madera.  Los frescos son el tipo de pintura “ejecutada  sobre un muro con revoque [que es una capa que recubre el muro] de cal húmedo y con los colores desleídos en agua de cal”.  Los frescos son difíciles de retocar y una vez secos no se pueden retocar, mientras que las pinturas al temple son retocables fácilmente al seco.

[iii] Según refiere Andrew Martindale, el nombramiento fue con la finalidad de que Giotto permaneciese en la ciudad de Florencia y “Auque, por lo que sabemos, no tenía preparación alguna como constructor, le dieron un cargo entre los maestros albañiles mayores; en efecto, eran los únicos artistas –artesanos medievales que tenían fama internacional y una importancia como la alcanzada por Giotto, pese al hecho de ser sólo pintor”. (Martindale,382) El nombramiento de arquitecto de la ciudad de Florencia o “ingegnere capo del Comune” se dio en 1334. No obstante, la construcción del campanario del Duomo de Florencia se le atribuye a Giotto.

[iv] “Describe una completa fase de civilización en la que una gran variedad de corrientes estilísticas pueden ser trazadas, cada una siguiendo su propio curso, aunque todas tienen cierta dirección común y asimismo, en el plano espiritual, cierto parentesco”

[v] Cita que Worringer atribuye al filósofo alemán Friedrich Nietzsche. No se encontró la fuente original de la cita, pero por lo expresado en la misma, posiblemente es algo escrito por Nietzsche en su obra “Sobre la utilidad y los perjuicios de la historia para la vida”

[vi] El arco ojival fue utilizado previamente en otros lugares pero no con los efectos que produjo la forma como se utilizó en Ile de France, pues como menciona Henri Focillón hablando en referencia al arco ojival: “Aparece por primera vez fuera de la región parisina y antes. Sin embargo, fue allí donde, en manos de los constructores, fue hasta el final en las conclusiones que implicaba y en las que, tras haber sido un sistema de refuerzo, se transformó en generatriz de todo un arte”(Focillón,1988:131)

[vii]  La perspectiva se define como el “modo de representar en una superficie los objetos de manera que aparezcan en la forma y disposición en que se muestran a la vista en la realidad”(Fatás,2005:256)

[viii] Uno de los pocos ejemplos de la arquitectura gótica italiana es la iglesia de Santa María sopra Minerva en la ciudad de Roma.

[ix] Se refiere al conjunto de los colores, que son vivos, limpios y pocos. La pintura gótica italiana se caracterizó por ser del tipo lineal, es decir, donde tienen preeminencia el dibujo y los contornos sobre el color.

[x] Un retablo es una “obra de arte que cubre el  muro sobre el altar, hecha sobre madera, piedra o metal, con pinturas, esculturas u obras de ambos tipos”(Fatás,2005:279). Muchas de las obras pertenecientes a los representantes del estilo gótico italiano formaban parte del retablo de alguna iglesia en la Italia medieval.

[xi] “Se considera a Júpiter el “gran dispensador de felicidad” o “benéfico””(Biedermann,1993:255). Pues la visión del Dios todopoderoso castigador cambió hacia el Dios de amor, misericordioso y benévolo, tardo para la cólera y abundante en bondad amorosa como expresa la Biblia.

[xii] “Permaneció por largo tiempo como un personaje literario, un artista de contornos inciertos, a quien siempre se atribuían obras de origen muy diverso, una suerte de nombre colectivo que reunía los testimonios más significativos de la ‘maniera greca’ que si sabía dominó la pintura italiana del Duecento ”

[xiii] El claroscuro consiste en destacar las figuras del frente iluminadas sobre un fondo oscuro, realizándose contraste de luces y sombras.

[xiv] Así lo refieren en el suplemento de La Repubblica consultado,  en la página 15.

[xv] Maestà es una palabra italiana que significa Majestad, y con ese nombre se conocieron las pinturas que plasmaban a la Virgen María en el trono con el Niño Jesús en brazos.

[xvi] Ver Henri Focillón, comentario en página 224.

[xvii] Indica el diccionario de símbolos de Biedermann, que la mandorla “es un símbolo de la “Maiestas Domini”-del Cristo transfigurado… La radiante mandorla envolvente es una imagen histérica de la concentración en la luz que irradiadesde dentro con respecto al escondimiento de la verdadera naturaleza de Cristo en su corporeidad”(Biedermann,1993:289-290)

[xviii] “los pintores, en el Medioevo, eran considerados simples artesanos, y no se guardaba memoria de su existencia”

[xix] La estilización se refiere al hecho de reducir el volumen, línea y contorno de las figuras sin quitarles su aspecto característico.

[xx] Un artículo en la Repubblica se intitula “No, non è di Simona questo brutto Giudoriccio”. (No, no es de Simón este feo Giudoriccio).(Dell´Arti,1998:49). El escritor del artículo indica que el nivel técnico de la obra no es comparable con el nivel de Martíni para la época y además que es muy sospechoso que se permitiera en un edificio público crear una retrato de un militar, existiendo como existía para la época reservas en cuanto a las expectativas de poder de los militares.

Realizado por: Mery Pérez